¿Quién inventó los 12 principios de la animacion?

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¿Cómo hacen los animadores para dar vida a un lienzo en blanco? ¿Cómo consiguen que nos riamos de Pascal, simpaticemos con Carl y sintamos el anhelo de Ariel por formar parte de su mundo? ¿Cómo nos hacen creer que las cosas que han representado están realmente vivas?

1. El principio de aplastar y estirar da la ilusión de peso y volumen a un personaje cuando se mueve. Esto se consigue expandiendo y comprimiendo el cuerpo del personaje. Para ver este principio en acción, mira esta escena del corto de Pixar Day and Night. Fíjate en que, mientras los dos personajes bailan, sus formas se comprimen ligeramente y luego vuelven a estirarse. Como resultado, nosotros, como público, realmente creemos que están bailando porque vemos el impacto que la gravedad tiene en sus cuerpos.

2. Anticipación – La anticipación se utiliza para que el público sepa que una acción importante está a punto de tener lugar. Para ello, los animadores suelen realizar una o dos acciones menores justo antes de la acción principal para indicar que algo va a suceder. ¿Notas cómo Thumper echa la pierna hacia atrás antes de echar a correr? Es la anticipación en acción.

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En 1981, los animadores de Disney Ollie Johnston y Frank Thomas publicaron un libro titulado La ilusión de la vida: Disney Animation. El libro, que sigue siendo una guía inestimable para los animadores de todo el mundo, entonces y ahora, esbozaba los 12 principios fundamentales de la animación.

Estos principios constituyen la base de todo el trabajo de animación que los animadores de Disney han seguido desde principios de los años 30. Aunque el libro se publicó hace casi 40 años, sus principios clave se siguen aplicando en los trabajos de animación modernos, así como en el diseño web.

De los 12 principios de animación que se exponen en el libro, la técnica de aplastamiento y estiramiento se considera la más importante de todas. Este principio da la ilusión de peso, masa, flexibilidad y gravedad a un personaje u objeto.

La clave para añadir fluidez y realismo a un objeto que rebota es mantener su volumen consistente cuando se utiliza el aplastamiento y el estiramiento. Piensa en cómo se comporta una pelota de goma cuando se lanza al aire y al suelo. A medida que la pelota sube, el objeto se estira. Cuando llega al suelo, se ensancha porque se aplasta.

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Ollie Johnston y Frank Thomas presentaron por primera vez “Los 12 principios básicos de la animación” en su libro de 1981 La ilusión de la vida: Disney Animation. Y aunque su principal objetivo era ayudar a los animadores tradicionales a crear mundos y personajes que cumplieran de forma más convincente las leyes de la física, la docena de principios expuestos en el tomo también han influido profundamente en la animación contemporánea en 3D y por ordenador.

Aplastando y estirando los objetos en tu animación, puedes hacer que parezcan flexibles y afectados por la gravedad. Mantener las proporciones es fundamental cuando se aplica esto, ya que el volumen de un objeto nunca puede cambiar si se está imitando la realidad con precisión.

Piensa en las acciones que se producen antes de un determinado movimiento o acontecimiento, y reprodúcelas para dar una sensación de lo que está a punto de ocurrir. El agazapamiento de un león antes de abalanzarse o el temblor de una rama antes de que caiga una manzana son buenos ejemplos.

Piensa en esto de la misma manera que lo harías como director de una película de acción real. Utiliza la puesta en escena para ayudar a dirigir la atención del público evitando detalles innecesarios, bloqueando la escena y centrándose en las luces y las sombras.

Puesta en escena 12 principios de la animación

Y, al compás de la evolución de la tecnología, el modo de funcionamiento del animador también ha cambiado: si antes se veía obligado a ponerse ante el tablero de dibujo para realizar pacientemente un fotograma a la vez, hoy debe ser capaz de dominar todas las herramientas que ofrecen los programas informáticos, que han abierto nuevas fronteras en su trabajo.

Según la técnica utilizada, por tanto, hemos llegado a distinguir diferentes tipos de animación: la tradicional (o “cel animation”, por el nombre de las hojas de acetato en las que se dibujaban individualmente los distintos fotogramas), la 2D, la 3D, la motion graphics y la stop motion, (realizada con modelos físicos en lugar de dibujos).

Y si partimos de este supuesto, podemos remontarnos a esta técnica hasta hace miles de años: a las pinturas rupestres de la Edad de Piedra que mostraban animales en acción, cuyas imágenes se superponían en diferentes posiciones para hacerlas aparecer en la carrera, cuando se miraban a la luz parpadeante de las antorchas.

Luego, a lo largo de los siglos, las tecnologías se han ido perfeccionando de forma natural: en el siglo XIX nacieron los primeros aparatos, los llamados kinetoscopios, fenachistoscopios o zoopraxiscopios, que permitían animar las imágenes dibujadas en discos o películas que se giraban a mano.